سرزمین هنر

چاپگرها از بسیاری از کاغذهای دست ساز آسیایی استفاده می کنند که می توانند سبک تر و صاف تر از کاغذهای پارچه ای پنبه ای باشند. الیاف پوست داخلی گیاهان بوته ای دارای محتوای سلولز بالا و الیاف بلند هستند. پردازش شامل دست زدن و کوبیدن الیاف به جای بریدن آنها است. نازک ترین کاغذهای ژاپنی از نری استفاده می کنند، افزودنی به خمیر کاغذ که سرعت تخلیه آب از داخل قالب را کاهش می دهد. این تاخیر زمان برای کج کردن قالب در جهات مختلف ایجاد می کند و واقعاً الیاف بلند را در هم می پیچد تا استحکام کاغذ را افزایش دهد.

سطح صاف جلوی این کاغذها با برس کشیدن آنها برای خشک شدن روی ورق های فلزی ایجاد می شود. اندازه و بافت ممکن است بین دسته های کاغذ دست ساز متفاوت باشد، و ورق ها معمولاً دارای چهار لبه اصلی هستند.

دستگاه های قالب سیلندر از یک خمره و یک قالب سیلندر تشکیل شده اند. استوک کاغذ توسط یک قالب استوانه ای که به آرامی می چرخد، از خمره جمع آوری می شود. استوانه با توری سیمی پوشانده شده است و در حین چرخش، آب از درون مش جریان می یابد و خمیر به شکل شبکه ای در قسمت بیرونی سیلندر می باشد. ورق الیافی بر روی یک تسمه نمدی در حال حرکت پیوسته منتقل می‌شود و بسته به نیاز کاغذ، از طریق بخش‌های مختلف دستگاه پردازش می‌شود. کاغذ، یا بین غلتک هایی که با نمد اندود شده اند برای ایجاد یک بافت خشن، یا غلتک های فلزی داغ برای رسیدن به سطحی بسیار صاف، فشرده می شود.

مانند کاغذهای دست ساز، الیاف کاغذ در جهت های تصادفی قرار می گیرند و به کاغذهای قالب استوانه ای پایداری سطح عالی می بخشند که دارایی برای تمام فرآیندهای نقاشی و چاپ است.

کاغذ قالب استوانه ای را می توان به عنوان نقطه "نیمه" بین کاغذ دست ساز و کاغذ ماشینی Fourdrinier در نظر گرفت. این فرآیند باعث ایجاد کاغذ سازگارتر از کاغذ دست ساز می شود، اما نسبت به ماشین آلات صنعتی به ویژگی های مواد حساس تر است.

ورق های کامل کاغذ قالب استوانه ای دارای دو لبه عرشه اصلی هستند و همچنین ممکن است دو لبه داشته باشند که شبیه به لبه های عرشه اصلی بریده شده باشند.

نقاشی امپرسیونیستی چیست؟
نقاشی امپرسیونیستی یک جنبش هنری قرن نوزدهمی است که در فرانسه آغاز شد. نقاشان امپرسیونیست ظاهر یک موضوع را با استفاده از ضربات کوچک یا قلم مو از رنگ‌های روشن و خالص به تصویر می‌کشند – که وقتی به عنوان یک ترکیب کامل در نظر گرفته می‌شوند، نور طبیعی و بازتابی را تقلید می‌کنند.

و این دقیقاً همان جایی است که اصطلاح «نقاشی امپرسیونیسم» از آن سرچشمه می‌گیرد – نقاشان در تلاش نبودند تصویری واقعی از یک موضوع خلق کنند. در عوض، آنها تصوری از نحوه ظاهر سوژه از دیدگاه منحصر به فرد خود ایجاد کردند.
امپرسیونیست ها همچنین شیوه کار هنرمندان را تغییر دادند. قبل از این حرکت، هنرمندان معمولاً مناظری را از داخل یک استودیو نقاشی می‌کردند که در نتیجه صحنه‌ای کاملاً بی‌نقص اما تخیلی ایجاد می‌شد. امپرسیونیست ها اغلب کارهای خود را به بیرون می بردند و از زندگی واقعی نقاشی می کردند. آنها دیدند که چگونه نور می تواند ظاهر و رنگ یک صحنه را تغییر دهد. از آنجایی که آنها بیرون بودند، مجبور بودند به سرعت رنگ را اعمال کنند، که منجر به ضربه های قلم موی قابل مشاهده ای شد که در نقاشی سبک امپرسیونیستی رایج است.

برخی از مشهورترین نقاشان امپرسیونیست عبارتند از:

کلود مونه
ادگار دگا
برت موریسو
کامیل پیسارو
مری کاسات
پیر آگوست رنوار

نحوه شناسایی امپرسیونیسم در نقاشی
با جستجوی چند ویژگی کلیدی می توانید نقاشی سبک امپرسیونیستی را شناسایی کنید. بیشتر نقاشی های امپرسیونیستی از قلم موهای کوچک یا رنگ آمیزی نشده تشکیل شده است. این منجر به نقاشی می شود که ممکن است هنگام مشاهده از نزدیک «معنی» نداشته باشد - اما وقتی به عقب برگردید، رنگ ها با هم ادغام می شوند و می توانید تصویر را واضح تر ببینید.

این در آثار کلود مونه رایج است. به عنوان مثال، از دور، "نیلوفرهای آبی" مونه در درجه اول آبی و سبز به نظر می رسد - اما نگاه دقیق تری به آن بیندازید و ممکن است از تعداد زیادی رنگ که ترکیب را تشکیل می دهند شگفت زده شوید.

سبک امپرسیونیسم نیز با ضربه های قلم مو قابل مشاهده و رنگ لایه ای ضخیم مشخص می شود. اساساً می‌توانید حرکت و بافت را در نقاشی ببینید، در حالی که در نقاشی به سبک سنتی، ضربه‌های قلم مو تقریباً نامحسوس می‌شوند.

و شاید مهمتر از همه، نقاشان امپرسیونیست تلاش می کنند تا بر نور طبیعی تأکید کنند. در واقع در برخی از تابلوها نور موضوع اصلی ترکیب بندی است.

سبک های نقاشی امپرسیونیستی
سبک های نقاشی امپرسیونیسم از هنرمندی به هنرمند دیگر متفاوت است، اما چند موضوع رایج وجود دارد که می توانید در اکثر آثار امپرسیونیستی مشاهده کنید.

موضوع معمولی
امپرسیونیست ها اغلب موضوعات معمولی را نقاشی می کردند - افرادی که درگیر فعالیت های روزمره مانند قدم زدن در یک چمنزار، قدم زدن در خیابان یا خیاطی بودند. هدف آنها ثبت صحنه هایی از زندگی معاصر بود.

تا حدی، این واکنشی بود به محبوبیت روزافزون عکاسی. امپرسیونیست ها نمی خواستند تکرار کاملی از یک صحنه ایجاد کنند، زیرا یک عکس می تواند این کار را انجام دهد - بنابراین آنها بر بیان درک خود از یک لحظه تمرکز کردند.

مناظر طبیعی
همه نقاشی های امپرسیونیستی شامل موضوعات انسانی نیستند. بسیاری از آنها مناظر را به تصویر می کشند: کوه ها، علفزارها، مزارع، سواحل، و توده های آبی. در واقع، این نقاشی کلود مونه، "Impression, Soleil Levant" - نقاشی خورشیدی که بر فراز یک بندر طلوع می کند - بود که الهام بخش نام جنبش امپرسیونیستی بود.

رنگ های پر جنب و جوش
امپرسیونیست‌ها معمولاً با رنگ‌های روشن و پر جنب و جوش کار می‌کردند، زیرا به دنبال نمایش دقیق نور بودند. به همان اندازه مهم، آنها اغلب از رنگ های مکمل در پالت های خود برای ایجاد کنتراست بصری استفاده می کردند. برای مثال، در مونه «Impression, Soleil Levant»، بندر عمدتاً به رنگ خاکستری و آبی به تصویر کشیده شده است، در حالی که خورشید نارنجی پر جنب و جوش است. این امر تمرکز را از قایق - که در سبک آکادمیک هنری، احتمالاً موضوع نقاشی است - و به سمت خورشید می برد.

تکنیک های نقاشی امپرسیونیستی
چیزی در مورد زیبایی و خودانگیختگی نقاشی امپرسیونیستی وجود دارد که شما را وادار می کند خودتان آن را امتحان کنید. آیا شما مونه بعدی خواهید شد یا رنوار؟ چه کسی می داند - اما مطمئناً می توانید امتحان کنید. از این تکنیک های نقاشی امپرسیونیسم برای تکرار رنگ های زیبا و ضربه های قلم مو نقاشی امپرسیونیستی استفاده کنید.

رنگ شکسته
با استفاده از این تکنیک، رنگ را با حرکات کوچک و کوتاه بدون ترکیب کردن، اعمال می کنید. این به رنگ اجازه می دهد تا به صورت نوری ترکیب شود - به عبارت دیگر، زمانی که کل نقاشی را از فاصله دور مشاهده می کنید، با هم ادغام می شوند. از سوی دیگر، هنگام استفاده از یک سبک نقاشی سنتی، برای رسیدن به یک رنگ دقیق، رنگ‌ها را چه روی بوم یا روی یک پالت با دقت ترکیب می‌کنید.

خیس روی خیس
امپرسیونیست ها به طور کلی لبه های نرم بین رنگ های یک نقاشی را ترجیح می دهند. برای رسیدن به سبک واقعی امپرسیونیسم نقاشی، اجازه ندهید که قلم مو بین لایه ها خشک شود. در عوض، از تکنیک مرطوب روی مرطوب برای جلوگیری از لبه های سخت استفاده کنید.

نقاشی ایمپاستو
امپرسیونیست ها از ضربات قلم مو کوتاه و سریع برای افزودن لایه های ضخیم رنگ استفاده می کردند که به آن تکنیک impasto نیز می گویند. این اجازه می دهد تا ضربه های قلم مو قابل مشاهده باقی بمانند و بافتی را به نقاشی اضافه می کند. در حالی که این تکنیک همچنین به شما امکان می‌دهد که رنگ را مستقیماً روی بوم ترکیب کنید، امپرسیونیست‌ها معمولاً ترکیب را به حداقل می‌رسانند.

افتس د سوآر
این تکنیک (که به "اثرات عصر" ترجمه می شود) به اثرات ناشی از نور در اوایل شب اشاره دارد. برای نقاشان امپرسیونیست، استفاده از این تکنیک به معنای ثبت نور و سایه ها با رنگ های آبی و بنفش است. «شب پر ستاره» ونسان ون گوگ نمونه کامل این تکنیک در عمل است.

تاثیر گذاشت؟
سبک های نقاشی امپرسیونیستی مسحورکننده هستند و نور و حرکت را به مناظر معمولی و لحظات روزمره می آورند. نقاشی های امپرسیونیستی که از نزدیک و از راه دور زیبا هستند، غیرقابل انکار هستند. بنابراین اگر این هنرمندان از شما الهام گرفته اند، از گرفتن رنگ خود نترسید، به بیرون بروید و لحظه ای زیبا را ثبت کنید.

هنرهای تجسمی ایران

هنر نقاشی ایران
از اوایل تا دوران صفویه

کمال الدین بهزاد از مکتب هرات
«خمسه نظامی» تاریخچه هنر نقاشی در ایران به عصر غار می رسد. در غارهای استان لرستان تصاویر نقاشی شده از حیوانات و صحنه های شکار کشف شده است. نقاشی های کشف شده توسط دبلیو سمنر بر روی دیوار ساختمان ها در ارتفاعات ملیان فارس متعلق به 5000 سال پیش است. نقاشی های کشف شده بر روی ظروف سفالی در لرستان، سیلک و سایر محوطه های باستانی نشان می دهد که هنرمندان این منطقه با هنر نقاشی آشنا بوده اند.

از دوران اشکانیان، نقاشی های دیواری کمی که بیشتر آنها در قسمت های شمالی رود فرات کشف شده اند، کشف شده است. یکی از این تابلوها نمایش صحنه شکار است. جایگاه سواران و حیوانات و سبک در این اثر ما را به یاد مینیاتورهای ایرانی می اندازد. اما در نقاشی‌های دوران هخامنشیان، نقاش‌کاری مورد پسند هنرمندان بود. تناسب و زیبایی رنگ های این دوران، قابل توجه است. رنگ ها بی سایه هستند و لحن یکسانی دارند. در برخی موارد، راه راه های سیاه رنگ سطوح رنگارنگ را محدود می کرد.

مانی، نقاش ایرانی که در حدود قرن سوم می زیست، نقاش ماهر و متخصصی بود. تصور می شد نقاشی های او بخشی از معجزات او باشد. نقاشی‌های تورفان که در صحرای گال، منطقه‌ای واقع در استان ترکستان در چین کشف شد، مربوط به سال‌های 840 تا 860 میلادی است. این نقاشی های دیواری صحنه ها و پرتره های ایرانی را به نمایش می گذارد. تصوراتی از شاخه های درخت نیز در این نقاشی ها وجود دارد.

کهن‌ترین نقاشی‌های دوره‌ای اسلامی، ترسناک هستند و در نیمه اول قرن سیزدهم خلق شده‌اند. مینیاتورهای ایرانی (نقشه های ظریف و کوچک) پس از سقوط بغداد (1285 م) به فیف رسید. از آغاز قرن چهاردهم، کتاب‌های دست‌نوشته با صحنه‌های میدان‌های جنگ، جشن‌ها و شکار آراسته شدند. چین، شاید از قرن هفتم به بعد، به عنوان یک مرکز هنری، مهمترین مشوق هنر نقاشی در ایران بوده است. از آن زمان، رابطه ای بین نقاشان چینی بودایی و هنرمندان ایرانی برقرار شد. از منظر تاریخی، مهم‌ترین تحول در هنر ایران، پذیرش طرح‌ها و رنگ‌آمیزی‌های چینی بوده است که با تصور خاص هنرمندان ایرانی درآمیخته است. زیبایی و مهارت بیش از حد نقاشی های ایرانی برای توصیف است.

مدرسه شیراز
«خمسه نظامی» در قرون اول پس از ظهور اسلام، هنرمندان ایرانی به تزیین کتاب پرداختند. مقدمه و حواشی کتابها مزین بود. این طرح ها همراه با اصول و قواعد دقیقی که به «هنر تذهیب» معروف است، به قرن های بعد منتقل شد. هنر تذهیب و کتاب پرستی در عصر سلجوقی، مغول و تیموریان مسیر پیشرفت را طی کرد.

نقاشی های آغاز دوره اسلامی شهرت متعلق به مکتب بغداد را داشت. مینیاتورهای مکتب بغداد، سبک و روش نقاشی‌های معمول دوران جاهلیت را به کلی از دست داده است. این تابلوهای بدوی و بدیع استرس هنری لازم را ندارند. مینیاتورهای مکتب بغداد تناسبی ندارند. پرتره ها نژاد سامی را نشان می دهند و از رنگ های روشن استفاده شده است.

هنرمندان مکتب بغداد، پس از سالها رکود، مشتاق خلق و نوآوری بودند. دیدگاه خاص این مکتب در ترسیم حیوانات و تصویرسازی داستان است. گرچه مکتب بغداد با توجه به هنر پیش از اسلام تا حدودی سطحی و ابتدایی است، اما هنر مینیاتور ایرانی در همان دوره در هر منطقه ای که اسلام در آن تبلیغ می شد، رواج داشت: خاور دور، آفریقا و ... اروپا

از کتاب های مصور به سبک بغدادی می توان «کلیله و دمنه» را نام برد. تصاویر بزرگتر از حد معمول نقاشی می شوند و متناسب نیستند. تنها رنگ های کمی در این نقاشی ها استفاده شده است. بیشتر کتاب‌های دست‌نویس قرن سیزدهم با تصاویر حیوانات، سبزیجات و تصاویری از افسانه‌ها و داستان‌ها غنی شده‌اند.

دو کتاب مصور ارزشمند از دوران سلطنت بایسونگور باقی مانده است. یکی کلیله و دمنه بودن و دیگری شاهنامه بایسنگر (حماسه شاهان). در نگاره های شاهنامه که در سال 1444 میلادی در شیراز کشیده شده، نمونه های جالبی از هنر مینیاتور ایرانی به چشم می خورد. یکی از این نگاره ها نمایانگر صحنه زیبایی از دربار ایرانی است که به سبک چینی نقاشی شده است. کاشی های سفید و آبی و فرش های ایرانی به اشکال هندسی کشیده شده اند.

در یکی از نسخه های خطی کتاب «خمسه نظامی»، 13 مینیاتور عالی وجود دارد که توسط میراک، نقاش و خوشنویس معروف، کشیده شده است. روح حساس و هنرمندانه نقاشی های بغداد در نگاره های جلد دیگری در میان آثار خمسه نظامی نمایان است. این اثر گرانبها در «موزه بریتانیا» نگهداری می شود. یکی از پر جنب و جوش ترین نقاشی های این کتاب، ساخت کاخ جوزاناق را نشان می دهد. در این نقاشی استادان و معماران مشغول ساختن کاخ هستند. این مینیاتور در سال 1494 در هرات نقاشی شده است.

بهزاد، بزرگترین نقاش مکتب هرات، هنر ظریف مینیاتور را گسترش داد. او الگوهای جدیدی برای حقایق طبیعی و پرتره نویس ابداع کرد که قبل از زمان او وجود نداشت. یکی از شاهکارهای هنر نقاشی ایران، کتاب مصور شاهنامه است که در کتابخانه کاخ گلستان تهران نگهداری می شود. این شاهنامه نیز در زمان بایسنگور، شاهزاده تیموریان، به تصویر کشیده شده و متعلق به مکتب هرات است. نقاشی های این کتاب از نظر رنگ آمیزی و تناسب اجزای موجود در تصاویر در بالاترین درجه زیبایی و استحکام قرار دارند.

اثری از رضا عباسی در دوران صفویه مرکز هنری به تبریز منتقل شد. چند هنرمند نیز در قزوین ساکن شدند. اما مدرسه نقاشی صفویه در اصفهان تأسیس شد. مینیاتور ایران در اصفهان عصر صفویه از نفوذ چینی ها جدا شد و در جاده ای جدید قدم گذاشت. پس از آن نقاشان بیشتر به طبیعت گرایی تمایل داشتند. رضا عباسی «مکتب نقاشی صفوی» را تأسیس کرد. هنر طراحی در زمان صفوفان دستخوش تحولی درخشان شد. این طرح که یکی از زیباترین طرح های ایرانی است با استعداد هنرمندان مکتب صفوی میسر شد. مینیاتورهای خلق شده در مکتب صفوی، منحصراً برای تزیین و تصویرسازی کتاب نبود. سبک صفوی نسبت به مکتب تیموری به ویژه مغولی از نظر فرم نرمتر است.

تصاویر انسان و رفتار آنها بیهوده و تصنعی نیست، برعکس طبیعی آرام و نزدیک به واقعیت است. نقاشان صفوی نیز در نگاره های بازو تبحر خاصی از خود نشان دادند. باشکوه ترین نمونه نقاشی های این دوره در کاخ های «چهل ستون» و «علی قاپو» وجود دارد. در نگاره های صفویه شکوه و عظمت این دوره جاذبه اصلی است. مضامین نقاشی ها درباره زندگی دربار سلطنتی، اشراف، قصرهای زیبا، خوبی های دلپذیر، صحنه های جنگ و ضیافت است. انسان‌ها در لباس‌های مجلل کشیده می‌شوند، چهره‌های زیبا و رنگ‌های مجسمه‌های زیبا به‌طور درخشانی روشن هستند.

هنر نقاشی در دوران صفویه از نظر کمی و کیفی گسترش یافت. در آثار این دوره آزادی، مهارت و قدرت بیشتری به چشم می خورد.

نقاشی‌های ایرانی با غنای خود لذت خاصی را بر خلاف هر چیز دیگری به ارمغان می‌آورند. آنها ارتباط گسترده ای با داستان های حماسی دارند. در نقاشی های ایرانی، بدن برهنه انسان روش بیان نیست. نقاشی ایرانی یکی از بزرگترین مکاتب آسیا به شمار می رود. شکوه و درخشندگی در هیچ فرهنگ دیگری بهتر بیان نشده است. آسمان‌های روشن، زیبایی خیره‌کننده شکوفه‌های بهاری، و در میان آن‌ها، انسان‌هایی با جامه‌های فاخر که متنفر و عاشق، شادی‌بخش یا مالیخولیایی هستند، مضامین کلی نقاشی ایرانی را تشکیل می‌دهند.

ایران هنر منحصربه‌فردی را به جهان عرضه کرده است که در نوع خود عالی است.»

چگونه آثار هنری را نقد کنیم؟

نقد هنری، تحلیل و ارزیابی دقیق یک اثر هنری است. در حالی که هیچ دو نفر واکنش یکسانی به یک اثر هنری را تجربه نمی‌کنند، یا آن را به یک شکل تفسیر می‌کنند، چند دستورالعمل اساسی وجود دارد که می‌توانید برای رسیدن به یک نقد متفکرانه و کامل دنبال کنید. عناصر اساسی یک نقد هنری توصیف، تحلیل، تفسیر و قضاوت است.

توصیف کار

اطلاعات اولیه در مورد کار جمع آوری کنید. این همان چیزی است که در برچسب موزه یا گالری یا در عنوان کتاب هنری پیدا می کنید. دانستن پس زمینه یک قطعه می تواند تفاوت زیادی در نحوه تفسیر و درک شما ایجاد کند. انتقاد خود را با ارائه اطلاعات زیر شروع کنید:
عنوان اثر
نام هنرمند
زمانی که قطعه ساخته شد
جایی که ساخته شد
انواع رسانه های مورد استفاده برای خلق اثر (مانند رنگ روغن روی بوم)
اندازه دقیق کار
آنچه را که می بینید توصیف کنید. با استفاده از اصطلاحات خنثی، اثر هنری را توصیف کنید. توضیحات شما باید شامل مواردی مانند شکل و مقیاس کار باشد. اگر هنر به جای اشکال انتزاعی، اشکال یا اشیاء را به تصویر می‌کشد، آنچه را که نشان داده می‌شود، توصیف کنید.
به عنوان مثال، ممکن است بگویید: «این یک نقاشی پرتره در مقیاس کوچک از یک زن جوان است که از وسط تنه به بالا در پس زمینه ای تیره نشان داده شده است. او یک لباس صورتی می پوشد و یک چادر بلند که پشت سرش می افتد.
از به کار بردن عباراتی مانند «زیبا»، «زشت»، «خوب» یا «بد» خودداری کنید. در این مرحله، شما فقط در مورد آنچه می بینید صحبت می کنید، نه اینکه هنر را قضاوت کنید!

در مورد عناصر کار بحث کنید. حالا کار را با جزئیات بیشتر توضیح دهید. در مورد نحوه استفاده هنر از این پنج عنصر اساسی هنر و طراحی صحبت کنید: خط، رنگ، فضا، نور و شکل.

کاربرد خط را شرح دهید. خطوط در یک اثر هنری می توانند تحت اللفظی یا ضمنی باشند. انواع مختلف خطوط می توانند حالات یا افکت های مختلفی ایجاد کنند. به عنوان مثال:
خطوط منحنی می توانند یک اثر آرام بخش ایجاد کنند، در حالی که خطوط ناهموار ممکن است خشن تر و وحشی تر به نظر برسند یا احساس انرژی ایجاد کنند.
خطوط خشن و طرح دار حس حرکت و آزادی را ایجاد می کنند، در حالی که خطوط صاف و یکدست احساس آرامش بیشتری می کنند و با دقت برنامه ریزی شده اند.
یک خط دید یا عمل ممکن است با چیدمان فیگورها و اشیاء در یک صحنه پیشنهاد شود. به عنوان مثال، گروهی از چهره‌ها که همگی به یک سمت نگاه می‌کنند یا به آن‌ها اشاره می‌کنند، می‌توانند یک خط ضمنی ایجاد کنند که چشم شما را از طریق کار به یک جهت خاص بکشاند.

در مورد نحوه استفاده از رنگ در کار صحبت کنید. ویژگی هایی مانند رنگ (قرمز، سبز، آبی و غیره)، ارزش (روشنی یا تاریکی) و شدت را یادداشت کنید. به طرح‌های رنگی کلی نگاه کنید، و به نحوه کار رنگ‌ها با هم فکر کنید.
مثلا رنگ ها با هم برخورد می کنند یا هماهنگ هستند؟ آیا در کار از رنگ های متنوع استفاده شده است یا تک رنگ است (مثلاً همه سایه های آبی)؟

استفاده از فضا در کار را شرح دهید. "فضا" به نواحی اطراف و بین اشیاء در اثر اشاره دارد. هنگام صحبت در مورد فضا، روی چیزهایی مانند عمق و پرسپکتیو، همپوشانی اشیا و استفاده از فضای خالی در مقابل فضای مملو از جزئیات تمرکز کنید.
اگر در حال توصیف یک اثر هنری دو بعدی هستید، مانند یک نقاشی، در مورد اینکه آیا اثر توهم فضا و عمق سه بعدی را ایجاد می کند یا خیر صحبت کنید.

کاربرد نور در کار را شرح دهید. نور در یک اثر هنری می تواند گرم یا خنک، روشن یا کم نور، طبیعی یا مصنوعی به نظر برسد. کمی وقت بگذارید و درباره نقش نور و سایه در اثر صحبت کنید.
اگر در مورد یک اثر دو بعدی مانند یک نقاشی صحبت می کنید، ممکن است تمرکز شما بر این باشد که هنرمند چگونه توهم نور را ایجاد می کند.
برای یک اثر سه بعدی، مانند یک مجسمه، می توانید در مورد چگونگی تعامل نور واقعی با اثر بحث کنید. به عنوان مثال، آیا سطح بازتابنده است؟ آیا مجسمه سایه های جالبی ایجاد می کند؟ آیا برخی از قسمت‌های مجسمه سایه‌دارتر یا روشن‌تر از سایر قسمت‌ها هستند؟